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24/05/2011

Le mouvement Sosaku-Hanga

Le mouvement Sosaku-Hanga (Impressions Créatives) diffère du  processus d'élaboration des estampes Shin-Hanga (Nouvelles Gravures). 

La production d'une estampe de type ukiyo-e, tout comme celle du mouvement Shin-Hanga, est le fruit d'un travail collectif. Sous le contrôle de l'éditeur, l'estampe est réalisée par un peintre, un graveur puis un imprimeur.  

La réalisation d'une estampe Sosaku-Hanga est un travail individuel.

Hiratsuka Unichi Old City in Kudara (Paekche), Korea, 1935.jpg
Hiratsuka Unichi   1935  "Old City in Kudara (Paekche), Korea"
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Elle implique la maîtrise de l'ensemble du processus de réalisation d'une estampe.

De la conception au dessin, de la gravure du bois à l'impression, le Sosaku-Hanga requiert des qualités artistiques peu courantes. 

Onchi Koshiro Portrait du poète Hagiwara Sakutaro gravure sur bois 1943.jpg

Onchi Koshiro  "Portrait du poète  Hagiwara Sakutaro"

  gravure sur bois   1943

 

Lancé officiellement en 1918 avec la constitution de la "Société japonaise des estampes créatives", le concept du mouvement Sosaku-Hanga tout comme les thèmes abordés, sont très proches des courants artistiques occidentaux de l'époque. 

Hiratsuka Unichi (1895-1997), Onchi Koshiro (1891-1955), figurent parmi les premiers grands maîtres du Sosaku-Hanga.

Des artistes talentueux perpétuent de nos jours le concept du mouvement  Sosaku-Hanga.  

Yoshida, Hodaka (1926 - 1995) Sosaku- Hanga house of stone with stairs Ibiza spain 62.5x 40cm self-printed 1982.jpg
Yoshida Hodaka (1926-1995)  "Ibiza, maison de pierre avec escalier" 
1982

01/03/2011

L'âge d'or de l'estampe japonaise

La période comprise entre 1770-1810, qualifiée "d'âge d'or de l'estampe japonaise", fut le témoin d' évolutions fondamentales dans l'art de l'ukiyo-e.

- Le nouveau type de papier, de meilleure qualité, plus épais et plus résistant, supporte parfaitement plusieurs impressions successives. La normalisation des formats de ce nouveau papier implique également de sensibles modifications dans l'édition des estampes. 

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Suzuki Harunobu   (1725-1770)     "Snow Walk"   1769
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- Vers 1765, quelques artistes dont Harunobu, Kiyomitsu et l'éditeur Emiya Kichiemon, perfectionnant le procédé du kentô, réalisent la mise au point des calages successifs du papier sur une dizaine de bois.

Suzuki Harunobu Lanterne et ombrelle 1770 Suzuki Harunobu.jpg
Suzuki Harunobu    "Woman Visiting the Shrine in the Night"    1770  
   . 

Ce processus permet l'impression de planches d'estampes entièrement polychromes, très belles, les nishiki-e ou estampe de brocart  dont Suzuki Harunobu (1725-1770)  sera le maître incontesté.

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Suzuki Harunobu     "Courtesan and Attendants (kamuro) on Parade"   1766

 

- L'utilisation de nouveaux pigments d'origine synthétique en lieu et place des pigments naturels traditionnels donne un éclat et une fraîcheur nouvelle aux ukiyo-e. Importé de Hollande en 1820, le bleu de Prusse, intense et profond, sera utilisé de manière intensive dans les paysages d'Hokusai dès 1830.

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Katsushika Hokusai
 "Pêcheur à Kajikazawa dans la province de Kai"    1831-33
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- Les artisans graveurs et les imprimeurs atteignent le plus haut degré de qualification et la production d'estampes est parfaitement maîtrisée. L'extrême finesse de la gravure, le relief des planches, les dégradés de couleurs (bokashi) atteindront leurs apogées au siècle suivant, vers 1820-1830, dans les célèbres paysages d'Hokusai et d'Hiroshige.

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Andô Hiroshige    (1797-1858)   
 " 69 Stations  du Kisokaido - Seba"    1834-1842 

 

L'estampe Ukiyo-e  reste indissociable du nom d'artistes prestigieux tels que Suzuki Harunobu (1725-1770) , le précurseur en matière de nishiki-e, images polychromes imprimées depuis plusieurs planches ;

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Suzuki Harunobu
"June" The Series Elegant Poets in Four Season   1768
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Torii Kiyonaga  (1752-1815), spécialiste des portraits d'acteurs de théâtre kabuki et de jolies femmes ;

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Torii Kiyonaga    "Trois beautés sous la  pluie"    1783
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Tōshūsai Sharaku, actif de 1794 à 1795.  Artiste énigmatique, sa véritable identité demeure aujourd'hui mystèrieuse. La totalité de son œuvre, 141 estampes réalisées en 10 mois, représente de façon particulièrement vivante et audacieuse les acteurs de Kabuki les plus célèbres de son temps. 
Si la personnalité et la surprenante brièveté de la carrière de Sharaku demeurent inexpliquées, il n'en restera pas moins l'une des figures les plus marquantes de l'Ukiyo-e.
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Sharaku    "Segawa Tomisaburo dans le rôle de Yadorigi"     1795

 

Kitagawa Utamaro  (1753-1806), le plus célèbre de tous les artistes spécialisés dans les portraits féminins ;

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Kitagawa Utamaro   "The Courtesan Yosooi Writing a Letter to a Lover"   v. 1800
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Katsushika Hokusai  (1760-1849), artiste exceptionnel, connu sous le nom de "Vieux fou de peinture". Conjuguant réalisme pictural et poésie, il interprète la nature avec une profonde sensibilité.

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Katsushika Hokusai   "100 Poèmes expliqués par la nourrice "    1835-1839    
 poème de Funya no Asayasu (X°siècle)  
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Utagawa Kunisada  (1786-1865), alias Tokoyuni III, artiste des plus populaires et des plus prolifiques en son temps, auteur de nombreux portraits d'acteurs et d'une multitude de portraits féminins ;

 
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Utagawa Kunisada   "Japanese Woman in The Snow"   1820

 

Andô Hiroshige (1797-1858), vraisemblablement le meilleur des paysagistes ;

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Andô Hiroshige    "The Fifty-Three Stations of the Tokaido-Kawasaki"    1855
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et Tsukioka Yoshitoshi  (1839-1892), qui sera l'un des derniers grands artistes de l'ukiyo-e. 

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Tsukioka Yoshitoshi   "Cent aspects de la lune"  1885-1892

 

 

UTAMARO, Kitagawa (1753 - 1806) 1800.jpg

 

L'estampe traditionnelle ukiyo-e connut un grand succès populaire durant plus de deux siècles, mais sa production faiblira dès 1868, début de l'ère Meïji.

 

Le Japon s'est ouvert rapidement à la culture artistique occidentale et le 20° siècle entérine le déclin de l'estampe.

Passée de mode, concurrencée par la photographie et la lithographie, l'ukiyo-e semble désuète et sa production deviendra des plus réduites.

L'art de la xylographie ne disparaitra pas pour autant. Vers 1908-10, l'édition d'estampes connaîtra une nouvelle ampleur avec la naissance de deux styles de gravure sur bois, souvent complémentaires, parfois concurrents, le shin-hanga (nouvelle gravure), et le sosaku-hanga (gravure créative).

Les artistes du shin-hanga reprendront des thèmes traditionnels en les simplifiant avec une grande élégance, ceux du sosaku-hanga aborderont des thèmes contemporains et leurs estampes, beaucoup plus sobres, rejoindront parfois l'art abstrait.

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Kitagawa Utamaro

"Hasseji and Kasumino of the Ebiya"

1800-1804

01/02/2011

L'époque d'Edo 1603-1868

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L'époque d'Edo (ex-nom de Tôkyô), l'une des 14 subdivisions traditionnelles de l'histoire du Japon, débute en 1603 avec la prise de pouvoir du shôgun, général et dictateur militaire, Ieyasu Tokugawa.

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L'époque d'Edo, sous le gouvernement centralisé des puissants shôgun, fut, durant plus de 250 ans, une longue période de paix, de stabilité et de prospérité économique pour le Japon.

Cette période se caractérise, entre autres, par la mise en œuvre d'une politique isolationniste dite Sakoku ou "fermeture du pays".

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De 1641 à 1853, cette politique instaure un contrôle des plus stricts des échanges commerciaux, la destruction des navires de haute mer, l'interdiction de sortir du territoire pour tout ressortissant japonais et l'expulsion de tous les étrangers.

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De cette longue période d'isolement du pays résultera le développement d'une culture propre au Japon.

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Période faste sur le plan culturel, l'époque d'Edo favorisera une production artistique vaste et variée destinée tant à l'élite aristocratique et militaire qu'à la bourgeoisie.

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Des multiples activités artistiques pratiquées durant cette période, céramiques, tissages, sculpture, armes et armures, laques, peintures, c'est tout particulièrement à l'estampe et à l'école Ukiyo-e, que reste associée l'époque d'Edo.

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L'époque d'Edo se termine en 1868 avec la restauration du pouvoir impérial de l'empereur Mutsuhito et le début de la période Meïji (1868-1912) dite ère du "gouvernement éclairé" ou de "politique éclairée" équivalente, en Europe, à la période dite du "Siècle des Lumières" du XVIII°.

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La fin de la politique d'isolement en 1853 et les contacts pris avec l'Occident transformeront profondément la société japonaise.

Si le Japon s'ouvre très rapidement aux modes occidentales, les estampes, laques, peintures, soieries, céramiques et autres objets décoratifs, trouvent également très vite leur place dans les galeries américaines et européennes.

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En France, l’engouement fut tel que Philippe Burty, critique d’art et collectionneur passionné d’art japonais, forgera, dès 1872, un mot nouveau : le "Japonisme".

21/01/2011

Le mouvement Shin-Hanga

Le mouvement Shin-Hanga , littéralement "Renouveau Pictural" ou "Nouvelles Gravures", est un mouvement artistique né au Japon vers 1908 sous l'impulsion de l'éditeur d'estampes Shôzaburô Watanabe (1885-1962).

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Hiroshi Yoshida   1926   "Mer Scintillante"

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Le Shin-Hanga, tout en le renouvelant, s'inscrit dans l'héritage et le concept de l'ukiyo-e (images du monde flottant), estampes très populaires au Japon du XVIIe au XIXe siècle.

La production d'une estampe de l'école ukiyo-e, tout comme celle du mouvement Shin-Hanga, est une œuvre collective qui nécessite le concours du traditionnel quatuor : peintre, graveur, imprimeur, éditeur.

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Koitsu Tsuchiya   1933  "Pont de Benkei la nuit" 
 

Libéré de toutes contraintes techniques par le travail complémentaire des artisans, l'artiste ne se préoccupe que de sa seule tâche de peintre.

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Kawase Hasui   1935   "Neige à Miyajima". 

L'ukiyo-e traite de multiples scènes populaires, le Shin-Hanga, tout en conservant les thèmes traditionnels, s'approprie les techniques issues de l'art occidental : perspective italienne, dégradés de couleurs très élaborés, utilisation du clair-obscur…

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Ito Shinsui    "Le soir, vent sur Ooshima"

 
Les artistes du mouvement 
Shin-Hanga, influencés par les impressionnistes, privilégient les paysages (sansui-ga) et les thèmes de nuit, de neige, de brume, de pluie, qu'ils imprègnent d'un jeu d'ombres et de lumières...

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Shiro Kasamatsu   1938   "Soir de pluie sur l'étang de Shinobazu".

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 Hiroshi Yoshida (1876-1950), Koitsu Tsuchiya (1879-1949), Kawase Hasui (1883-1957), Itô Shinsui (1898-1972), Shiro Kasamatsu (1898-1992), Ito Takashi (1894-1982), seront des paysagistes majeurs de ce mouvement.

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Ito Takashi   1932   "Lac Towada"

Le mouvement artistique du Shin-Hanga prit fin en 1962 avec la mort de Shôzaburô Watanabe, mais la société fondée par l'éditeur continuera de produire des estampes et la galerie Watanabe est aujourd'hui encore ouverte à Tokyo.

 

14/01/2011

le Nihonga, peinture tradionnelle japonaise

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Nihonga, par opposition à yôga qualifiant l'art étranger, signifie littéralement peinture (ga) japonaise (nihon).

Issue du groupe des peintures orientales, la peinture japonaise est un héritage des grandes voies picturales chinoises.

Le Nihonga traditionnel est conçu sur la base d'une peinture à l'eau entiérement préparée par l'artiste qui n'utilise que des matériaux naturels : bois, papier, pigments naturels d'oxydes de métaux, de terre ou de coquillages broyés avec de la colle animale.

Le support est un papier marouflé sur bois ou une soie tendue sur cadre.

Dès le debut de l'ère Meiji en 1868, l'impact de l'art occidental sur le Japon fut immense. Confronté à ce déferlement, un mouvement conservateur, le niongha, prit la défense de l'art traditionnel japonais.

Les peintres Kano Hogai (1828-1888) et Hashimoto Gaho (1835-1908), considérés comme les fondateurs du mouvement nihonga, étaient membres de l'association "Kanga-kai" – Société d'appréciation de la peinture de style japonais- fondée en 1884 pour la défense de l'art oriental. 

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Adeptes de la perspective italienne et d'effets d'ombres et de lumières, ils réformeront le vieille école académique Kanô avant de participer à la fondation de l'école des Beaux-Arts de Tôkyô en 1887.

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 Kiyochika Kobayashi  "Torii and Full Moon"  no dated   

 

Leur mouvement inspirera des artistes comme Kobayashi Kiyochika (1847-1915), célèbre pour ses illustrations de livres, et Watanabe Seitei (1851-1918), peintre du mouvement Shin-hanga.

Le Yùgen signifiant "subtil et profond", est souvent évoqué pour qualifier une œuvre de l'école Nihonga.

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Watanabe Seitei    v. 1900   "Birds on Weeping Cherry Tree"
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C'est ce concept qui, dans les thèmes traditionnels du Nihonga tels que les montagnes, les pins, les rivières, les cascades, les nuages, les brumes et la neige, conjugue intimité et poésie propres au Japon.

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Kiyochika Kobayashi   v. 1910   "Coolie Pulling a Rickshaw"

La relative simplicité et le sentiment de sérénité qui se dégagent d'une œuvre Nihonga trouvent probablement leurs origines dans l'un des plus vieux styles de peinture japonaise, le "Yamato-e".* 

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          Kobayashi Kiyoshika     v. 1900   " le Taro Inaru dans les Rizières d'Asukasa" 

De ses débuts à nos jours, le nihonga, au fil des générations de peintres, des styles et des courants successifs, fut l'objet de multiples évolutions.

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    Kobayashi Kiyoshika   1915     "Moon on a Chilly Night at Akashicho" 

Au début du XX° siècle, quelques artistes de la seconde génération nihonga, tout en restant fidèles à la peinture japonaise traditionnelle, s'essaient à l'adapter aux techniques issues du monde occidental.

Ce nouveau style, le mōrōtai-bossen, s'appuie sur la perspective mais le trait du dessin s'estompe au profit des dégradés de couleurs.

Ce courant, encore vigoureux aujourd'hui, doit beaucoup à l'érudit Okakura Kakuzō (1862-1913) également connu sous le nom de Okakura Tenshin, auteur du célèbre "Livre du thé" publié en 1906. 

Okakura Tenshin 1862-1913.jpgOkakura Tenshin fut, en 1887, l'un des principaux fondateurs puis le directeur de la première école des Beaux-Arts du Japon. 

Evincé de son poste en 1898 à la suite d’une lutte de pouvoir, il fonde l'Institut des Arts Japonais (Nihon Bijutsu-in) où se retrouvent  les adeptes de l'art traditionnel et les artistes pratiquant le mōrōtai-bossen ou nouveau nihonga.

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Yokoyama Taikan (1868-1958), proche collaborateur et ami d'Okakura, sera l'un des pionniers du  renouveau de la peinture traditionnelle japonaise.

Son style, où le trait disparaît au profit des combinaisons de couleurs, fut à l'époque, péjorativement qualifié du terme  mōrōtai (mōrō signifiant "confus","vague", "flou "), terme chargé de connotations négatives et cette technique très innovante sera, en son temps, sévèrement critiqué par les peintres traditionnels. 

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Yokoyama Taikan   1958  "Snowy Peack with Cranes"

Yokoyama Taikan n'en restera pas moins l'un des principaux artisans du renouveau de la peinture traditionnelle nihonga et son influence est encore sensible aujourd'hui.

Au fil des années, sous l'impulsion des peintres du courant progressif, les sujets se sont occidentalisés et, si le nihonga est encore enseigné dans les grandes universités japonaises, il est maintenant bien loin de ses racines. 

Blue Birds at Night s.jpg.

*Le Yamato-e est un style pictural propre au Japon qui, inspiré par le bouddhisme Zen, se développe vers le milieu du IX° siècle.  

Considéré comme le style japonais traditionnel, le Yamato-e est un art qui traite de scènes de la vie quotidienne et de thèmes typiquement japonais.

Il résulte d'une réaction et d'une opposition à l'art et aux thèmes chinois perçus à l'époque au Japon comme accessibles aux seuls érudits.

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Watanabe Seitei    v. 1900   "Blue Birds at Night"

 

 

 

 

20/10/2010

Les Maîtres du réalisme Russe

 I -  De l'Artel de Saint-Pétersbourg  à la Société des Expositions Ambulantes de Moscou. 

L’association des peintres dits "Ambulants" ou "Itinérants" (Peredvijniki) est indissociable du mouvement pictural réaliste apparu en Russie en 1863.

self portrait 1867.jpgSous l'égide d'Ivan Kramskoï (1837-1887) quatorze élèves de l'Académie Impériale des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg refusent de participer au concours de fin d'étude de l'académie sur le sujet imposé : "Un banquet au Walhalla".

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Ivan Kramskoï  autoportrait   1867  

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Ils réfutent les méthodes et l 'idéalisme classique de l'enseignement imposés par l'académie qui limite les sujets picturaux aux seuls thèmes mythologiques ou religieux inspirés de l'histoire antique de la Russie.

Cette nouvelle génération de peintres, influencés par les écrits naturalistes de Dostoïevski et de Tolstoï, en appelle à un renouveau et souhaite traiter de sujets contemporains et de la réalité politique et sociale en Russie.

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Vassili Perov, portrait de Fedor Dostoïevski , 1872  

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Ivan Kramskoï, portrait de LéonTolstoï, 1872

Rompant définitivement avec l'académie, les jeunes artistes, se regroupèrent au sein d'un "artel", corporation artisanale organisée sur les principes communautaires des phalanstères imaginés par le français Charles Fourier.

 

Nikolay_Chernyshevsky 1828-1889.jpgEn Russie, "Que Faire ? ", roman publié en 1862 par l'écrivain révolutionnaire et philosophe Nikolaï Tchernychevsky (1828-1889), avait propagé la mode de ce genre d'association très prisée au sein de la jeunesse de gauche.

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Nikolaï Tchernychevsky 

 

C'est sur ce modèle de communauté que les rebelles de l'académie s'associèrent et leur "artel" fut l'une des premières organisations de ce type.

Les commandes officielles de tableaux étant exclusivement réservées à la toute puissante académie, la communauté, pour subvenir à ses besoins, fut contrainte d'accepter tous types de travaux : icônes, copie de tableaux, portraits, images populaires dites "loubki", illustrations de journaux et de livres ...

En proie à un perpétuel manque de moyens matériels, confrontée aux tiraillements épisodiques inhérents à la vie communautaire, l'artel subsistera durant six années et, en dépit de toutes ces difficultés, la "Révolte des 14" ouvrira la voie à un véritable mouvement réaliste, tant libéré du misérabilisme que dénué du pittoresque sentimental prôné par l'académie.

Dans la continuité de cette scission, fin 1870, les artistes dissidents de Saint-Pétersbourg se sont regroupés dans le cadre d'une nouvelle association, la société des Expositions Ambulantes.

Fondée à Moscou à l'initiative de peintre reconnus tels Vassili Perov (1834-1882), Alexeï Savrassov (1830-1897),                         

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Grigori Myassoyedov (1834-1911), Nikolaï Gay (1831-1894), 

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Gregori Myasoyedov   1886    par Ilia Repin  
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Nikolaï Gays   1890   par  Nikolaï Yaroschenko
 
Vladimir Makovski (1846-1920) et Ivan Chichkine (1831-1898).
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Vladimir Makovsky  autoportrait   1905
426px-Iwan_Nikolajewitsch_Kramskoj_004.jpg
Ivan Chickine   1873     par Ivan Kramskoï 
 
 
 
La société, loin de l'esprit communautaire de l'artel, était organisée pour défendre officiellement les droits et les intérêts des artistes.

La société des Ambulants constituera le premier grand mouvement pictural du réalisme russe et, à de rares exceptions près, cette association réunira tous les grands peintres russes de la seconde moitié du XIX° siècle.

Si les peintres moscovites étaient de loin les plus nombreux, le chef de file et l'âme du mouvement restera néanmoins l'animateur du défunt artel de Saint-Pétersbourg, le portraitiste Ivan Kramskoï. 

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Ivan Kramskoï   1884   portrait de sa fille Sophia
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La société, mêlant plusieurs générations, comptera jusqu'à 109 membres actifs et 440 participants.

Jusqu'en 1870, la vie artistique en Russie se limitait aux deux capitales, Moscou et Saint-Pétersbourg, uniques foyers intellectuels et culturels du pays.

Réservé à l'élite de l'aristocratie russe, l'art n'était qu'une notion vague et nébuleuse pour l'immense majorité du peuple.

Le but de la société des Ambulants était double : décentraliser la vie artistique en propageant l'art à travers la totalité de l'empire et le rendre accessible à tous par l'emploi d'un message simple et de sujets d'actualité, qui, accessibles aux non-initiés, ne puissent laisser personne indifférent.

 

 
 

Les Ambulants - The Wanderers

II - Les  Ambulants 

Soudés par un même idéal : l'art devant être mis à la portée et au service du peuple, les Ambulants s'inscrivent dans le prolongement du réalisme dit "critique" des années 1860, réalisme d'expression très limitée par l'omniprésente censure tsariste.

Retrato de Alexandre II da Rússia, Konstantin Egorovich Makovsky,.jpgLes ambulants surent tirer profit de l'évolution politique du Tsar Alexandre II (1818-1881) qui, par un oukase de 1861, proclamait l'abolition du servage et, en1865, assouplissait la rigidité de la censure en la modifiant par un système comportant deux avertissements avant le retrait de l’œuvre ou de la publication incriminée.

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Alexandre II  v. 1870 par  Konstantin Makovsky

 Sous l'impulsion des Ambulants, le statut de l'art se modifiera de façon significative et leur peinture séduira une nouvelle tribune sociale.

Les ambulants pratiquaient le "réalisme idéologique" dans une grande diversité de thèmes : scènes de genre, quelles soient historiques ou d'actualité, légendes, paysages et portraits.

Les scènes d' évangile, conformes aux principes et critiques de Tolstoï sur le christianisme orthodoxe, constituèrent également une de leurs sources d'inspiration.

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Ivan Kramskoï   "le Christ dans le désert"   1872

Exposant leurs tableaux à travers la Russie, les Ambulants sacrifièrent délibérément le classique et son esthétique au profit de sujets proches des préoccupations du peuple russe.

Leur première exposition organisée fin 1871 à Saint-Pétersbourg fut un succès.

Au fil du temps, la popularité des Ambulants ne cessera de croître, ils domineront la scène artistique russe durant plus de trente ans et, de 1871 à 1923, 48 expositions seront organisées à travers l'empire.

Ces expositions itinérantes dans les grandes villes et dans les bourgs, au delà d'un seul but pédagogique, avaient également le souci de mettre l'art à la portée d'un vaste public.

Les Ambulants reçurent le soutien de journalistes, d'hommes de lettres et de critiques d'art dont le très influent Vladimir Stassov (1824-1906)  ............

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Vladimir  Stassov  1883   par  Ilya Repine 

et de mécènes, notamment de Pavel Tretiakov (1832-1898), collectionneur et fondateur de la célèbre galerie moscovite qui porte encore aujourd'hui son nom.

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Pavel Tretiakov   1876  par Ivan Kramskoï

Nombre de grands maîtres de l'association des ambulants effectuèrent des voyages d'études en France.

Tous, tels Ivan Kramskoï, Vassili Perov, Issak Levitan, séjournèrent à Paris, puis, d'autres, attirés par la peinture de plein-air, se rendirent sur les côtes bretonnes et normandes.

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Isaac Levitan   1891    par  Vassili Polenov

Alexeï Bogoliubov (1824-1896) , Vassili Polenov (1844-1927), Alexeï Harlamov (1840-1925), Ilya Repine (1844-1930), Konstantin Savitski (1844-1905),  appréciaient particulièrement Veules-les-Roses, petit village du littoral cauchois, dont ils peignirent, vers 1874-75, quelques tableaux qui furent ensuite dispersés en Russie.

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Alexeï  Bogoliubov    1882     par  Ilya Repine 
 
Alexeï Bogoliubov Le soir. Veules Musée des Beaux-Arts de Pereslavl-Zalesski.jpg
Alexeï Bogoliubov      "Le soir, Veules-les-Roses"
 Musée des Beaux-Arts de Pereslavl-Zalesski
 
Konstantin Apollonovich Savitsky 1844–1905 autoportrait 1902.jpg
Konstantin Savitsky    autoportrait   1902
Alexei Alexeievitch HARLAMOFF (1842-1922) une ruelle à Veules- les-Roses.jpg
 
Alexeï  Harlamov
"Une ruelle à Veules-les-Roses"
 
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Vassili Polenov   1877    par  Ilia Repine 
 
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Ilya Repine   1876   par  Ivan Kramskoï
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Ilia Repine     "Moulin sur la rivière Veules"
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  Ilia Repine  "La Mendiante"  1874  
Musée des Beaux-Arts d’Irkoutsk.
Le peintre prit pour modèle une fillette lors de son séjour en Normandie.
 
 
 

19/10/2010

Peredvijniki - Les Ambulants

Contemporains des Tourgueniev, Dostoïevski, Tolstoï, Moussorgski, Tchaïkovsky, Anton Rubinstein, les Ambulants, créateurs du réalisme social, se préoccupèrent sans cesse de la condition du peuple et mirent en évidence les inégalités criantes au sein de la société russe de l'époque.

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Ivan Tourgueniev  1874    par Ilia Repine 
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Modeste Moussorgski  1881    par Ilia Repine 
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Anton Rubinstein   1887    par  Ilia Repine

A travers leurs peintures, c'est toute la vie sociale de la Russie impériale qui s'exprime le plus souvent avec humilité et parfois même avec douleur.

Tout en conservant une grande variété de styles et d'inspiration, les Ambulants ont merveilleusement traduits la profondeur de l'âme russe.

Par le biais de leurs tableaux, ils nous content la misère et l'ignorance du peuple, le folklore et la vie quotidienne en Russie comme ils nous dépeignent l'immensité et la beauté des paysages de leur pays.

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Ivan Shishkin   1884     "A lakeside forest"

Le développement de la peinture russe est étroitement lié à l’œuvre des Ambulants qui resteront dans l'histoire de la Russie comme des peintres aimant profondément le peuple, peuple qui les appréciait tout autant.

Exposées également à l'étranger, les œuvres des Ambulants contribuèrent à la vulgarisation de l'art russe en Europe et à travers le monde.

En 1917, alors que l'existence de la société prenait fin, le remarquable paysagiste Nikolaï Doubovskoï (1859-1918) écrivit :

Nikolay Dubovskoy vers 1890.jpg "Les principes vivifiants de la sociétés des Ambulants ne peuvent à jamais disparaître. Nécessaires à la nouvelle société ils renaîtront un jour, de même que le caractère authentique de la peinture, le réalisme et l'idéologie. Notre société cessera d'exister mais ses idées seront reprises par de nouvelles générations de peintres doués."

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Nikolaï  Dubovskoï  vers 1890 

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   Nikolaï  Dubovskoï        "La rivière dans la forêt"   1900 

 

Pour en savoir beaucoup plus :

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"Les peintres réalistes russes en France (1860-1900)"   

de Tatiana Mojenok Ninin.

Editions de la Sorbonne.

 

 

 

 

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"Les peintres russes et la Normandie au XIX° siècle" 

du même auteur aux éditions Point de vues.

 

 

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" Les Ambulants, Maîtres du réalisme Russe"  

 livre-album d'Elena Nesterova

 Editeur : Parkstone.

 

 
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